By Julie Horne Møller
November 2016

Cathrine Raben Davidsen works in a broad artistic practice that encompasses painting, drawing, ceramics, photography and printmaking, often with a consistent theme from the universe of figuration. She challenges the possibilities of the media, and has created her own distinctive language. With a repeated focus on historical figures and spiritual issues she has been absorbed throughout her career in questions of identity and how identity is tied to memory and history. The history of art and a range of textual references associated with Western and Eastern mythology and literature are constant sources of inspiration for her choice of both subjects and techniques. But the works also draw their underlying material from deep-seated memories and dramatic images taken from the contemporary mediascape, where Raben Davidsen works with a point of departure in issues of human identity and what is perhaps the very greatest mystery and question in life – death.

In Cathrine Raben Davidsen’s work there arises a conscious contrast between the apparent lightness and the heavier meaning-bearing substance of the individual work. The beautiful faces are wrenched from their bodies and appear fragile and unresolved. This helps to give the works a character of imbalance on the edge between being and non-being, as in an intermediate stage between form and non-form, in an eternal quest to create. In this way she incarnates and explores our history, mythology, religion and tradition.

In recent years Cathrine Raben Davidsen has also worked with ceramics, and she has created a number of ceramic lidded jars and lamps. The ceramic works have been created in among other ways with the Japanese raku technique. Some of the lidded jars have a kind of faces that are only hinted at in the same way as in her paintings and drawings. Her own memories from her childhood home often appear in the works on an equal footing with material from myth and literature. This is also the case in the ceramic lamps, where curtain material from her childhood home is used in a few lampshades. The lamps are at one and the same time beautiful utility objects and works of art. While their function is directly readable, it is a different matter with the lidded jars, which – with their sometimes urn-like form – have a disquieting and ominous effect compared with the comfortably domesticated aura of the lamps. The lidded jars evoke lost ancestral rites and mystical religious ceremo­nies, like relics whose meaning has been lost in time.

With the exhibition Kenosis Cathrine Raben Davidsen invites the viewer into a universe which in its own quite unique way challenges our familiar world view. We find ourselves between polarities of reality and fantasy, in a place where it is difficult for us to assess where reality ends and fantasy begins. With Kenosis Cathrine Raben Davidsen presents a number of new works in which she explores the human figure as a metaphor of transformation. In the artistic process she has worked to loosen up the composition of the works by pouring pigments mixed with a binder out on the surface in an uncontrollable process, after which she has intuitively drawn and painted on the basis of the structures that have arisen. In the paintings Cathrine Raben Davidsen has worked to integrate the drawing in the painting by using the brush as if it is a piece of drawing charcoal. The paintings in the lilac, turquoise and light, bright shades have been created side by side with the almost entirely black paintings. In these new works, lightness and transparency balance alongside the seriousness inherent both in the artist’s personal memories and in the themes by which she is inspired.

Kenosis (Greek = ‘renunciation’) means emptying or purging oneself as a human being. The classic instance is Christ renouncing his divinity to become human; a huge investment in a wish for change, a change that must be seen and felt, and be of significance to society.

In the works Cathrine Raben Davidsen fundamentally explores the movement from spirit to matter, and she sees the kenosis concept as an image of the artistic process. Besides the concept of kenosis, Cathrine Raben Davidsen has among other things been preoccupied with the eight-stanza poem from the 16th century, The Dark Night of the Soul,1 by the Spanish Catholic mystic John of the Cross (1542-2592), which is about the journey from the body, home of the soul, to the ultimate union with God. The journey is called the dark night because the darkness represents the fact that God is still unknown. The poem is about the journey of the soul from its bodily home to union with God. Cathrine Raben Davidsen works in her artistic project with her own kind of dark night by constantly setting her sights on unknown territory which in her own distinctive way she encircles, analyses and defines by way of her very own imagistic terminology. In the large, monumental paintings The Dark Night (I-IV) from 20162 we experience a clear movement from the dark towards the light.

In the exhibition we also see a number of works created with a background in con­tem­porary images of war. The works are light and transparent in their colour scheme, but the origins and messages of the images are anything but easy to relate to. Believer is a portrait of a young male suicide bomber. The young man sacrifices his life on earth in the belief that his action ensures him a place in Paradise. With the painting Cathrine Raben Davidsen touches on some of the losses that war and terror bring about, but suggests a kind of inverted kenosis, since the young man chooses faith in and hope for a place in Paradise over life on earth. In the same series as Believer we find the paintings Human Nature, The Alchemist, Completion, Ghost Mouth and The Disease,3 all of which have their origins in the same conflict. The works emerge as a kind of memento mori and the figures in the paintings testify to the complexity of our times.

For Cathrine Raben Davidsen the process of becoming an artist has not been a straight­forward, logical one, but the path she has followed bears witness to a power­ful necessity and a fearlessness in using her own origins and her own identity in her artistic universe. We find this artistic necessity as early as 1996, in the painting Family4 from that year. In the large painting we see four human figures; three of them are standing, the last one is lying in the background. It is clear that the person lying down, the father, is seriously ill; he clutches at his heart. He lies on his sickbed, and behind him we see the silhouette of his coffin. The painting Family from 1996s is disquieting and ominous; the loosely sketched figures are formally distorted and far from aesthetically beautiful in the traditional sense. The painting is intensely dramatic and sends one’s thoughts in the direction of a family portrait (the processing of her father’s far too early death in 1985). In the painting there are clearly seeds of the motifs that come to fruition in her subsequent works.

Here we see the mask, the costume, the reflection, the form-distorted people and the insistent eyes. The painting is redolent of sexuality; the covered female genitals and the exposed penis. The dominant colour scheme, an agitated turquoise, is in a colour that Cathrine Raben Davidsen has revived in paintings like The Dark Night (III) and The Alchemist, which are both shown in the current exhibition ‘Kenosis’.

Cathrine Raben Davidsen’s work bears the marks of a clear artistic struggle in depicting beautiful, delicate contours in a classic formal idiom and mixing these with distorted forms in a confusion of colours, maskings, veiled eyes and abnormal bodies. This can be seen clearly in the series of pigment drawings Kenosis, in which several of the works move on the borderline between form and abstraction.

At the end of the 1990s Cathrine Raben Davidsen visited South Africa and during a stay at the Michaelis School of Fine Art in Cape Town she worked on a number of monotypes titled Target Practice,6 the inspiration for which came from a book about shooting practice.7 But at the same time Cathrine Raben Davidsen took a point of departure in the political situation in South Africa.

She stayed there during the fall of the apartheid regime when the tribunal-like body the Truth and Reconciliation Commission had been established to draw up a report that was to describe the infringements of human rights and other crimes that had been committed during apartheid. The monotypes Target Practice are disturbing, sombre and potent. The human figures are blurred and the faces are masked, and on some of the figures numbers taken from the target are placed. A woman appears to have had her mouth shot off, and several of the faces immediately evoke skulls. The works are typified by the same oppressive atmosphere as can be seen in the painting Family. With Target Practice Cathrine Raben Davidsen, already at an early stage in her practice, shows a great under­standing of form, and she underscores the depth in her works by working with some of the big questions – existence, life, memory and death. Throughout her practice one sees clear parallels between beauty and the aesthe­tic and ugliness and horror – parallels that are also clear in the exhibition Kenosis, where the beautiful contours are used to depict the face of the executioner and the pain of death.

With Kenosis it is as if Cathrine Raben Davidsen has reverted in her formal idiom to a more direct tone – a tone that has grown from crucial personal experience. We all have a basic story to which we have to relate in some way, and with this exhibition Cathrine Raben Davidsen relates to hers by turning a sometimes-experienced loss of control into an exciting artistic process that takes her painting to new heights. With these works she confronts us with the world that surrounds us in such an insistent way that we are obliged to come to a halt and relate to what we see and feel.


scroll down for a Danish version


Cathrine Raben Davidsen arbejder med en bred kunstnerisk praksis, der omfatter maleri, tegning, keramik, fotografi og grafik ofte med et gennemgående figurativt tema. Hun udfordrer mediernes muligheder og har skabt sit eget særegne sprog. Med et tilbagevendende fokus på historiske figurer og åndelige spørgsmål har hun igennem hele sit virke været optaget af spørgsmål om identitet, og af hvordan identitet er knyttet til hukommelse og historie. Kunsthistorien, samt en række tekstuelle referencer forbundet med den vestlige og østlige mytologi og litteratur, er en konstant kilde til inspiration for hendes valg af både motiver og teknik. Men værkerne henter ligeledes deres underliggende materiale fra dybe erindringer og i dramatiske billeder hentet fra samtidens mediebillede, hvor hun arbejder med udgangspunkt i spørgsmål om menneskets identitet og livets måske allerstørste mysterium og spørgsmål – nemlig døden.

I Cathrine Raben Davidsens arbejde opstår der en bevidst kontrast mellem den tilsyneladende lethed og den tungere betydningsbærende substans i det enkelte værk. De smukke ansigter er revet fra deres kroppe og fremstår skrøbelige og uforløste. Dette er med til at give værkerne en karakter af ubalance, på kanten mellem at være og ikke være, som i et mellemstadie mellem form og ikke form, i en evig søgen efter at skabe. På den måde kropsliggør og undersøger hun vores historie, mytologi, religion og tradition.

I de senere år har Cathrine Raben Davidsen også beskæftiget sig med keramik, og hun har skabt en række keramiske lågkrukker og lamper. De keramiske værker er skabt med blandt andet den japanske raku-teknik. En del af lågkrukkerne bærer en form for ansigter, som kun er antydninger, på samme måde som det gør sig gældende i hendes maleri og tegning. Egne erindringer fra barndomshjemmet indgår ofte i værkerne på lige fod med mytestof og litteratur. Dette er også tilfældet i de keramiske lamper, hvor der i enkelte lampeskærme er anvendt gardinstof fra barndomshjemmet. Lamperne er på én gang smukke brugsgenstande og kunstværker. Mens deres funktion er umiddelbar aflæselig, forholder det sig anderledes med lågkrukkerne, der – med deres til tider urnelignende form – virker foruroligende og skæbnesvangre i forhold til lampernes domesticerede hygge. Lågkrukkerne genkalder forfædres svundne riter og mystiske religiøse ceremonier, som relikvier hvis betydning er gået tabt med tiden.

Med udstillingen Kenosis inviterer Cathrine Raben Davidsen beskueren indenfor i et univers, der på sin egen helt unikke måde udfordrer vores vante verdenssyn. Vi befinder os i et spændingsfelt mellem virkelighed og fantasi, i et felt hvor det er svært for os at vurdere, hvor virkeligheden slutter og fantasien begynder. Cathrine Raben Davidsen præsenterer med Kenosis en række nye værker, hvor hun udforsker den menneskelige figur som en metafor for transformation. I den kunstneriske proces har hun arbejdet på at løsne op for kompositionen i værkerne ved at hælde pigmenter blandet med bindemiddel ud på fladen i en ukontrollérbar proces, hvorefter hun intuitivt har tegnet og malet med udgangspunkt i de strukturer, der er opstået. I malerierne har Cathrine Raben Davidsen arbejdet med at integrere tegningen i maleriet ved at arbejde med penslen, som var den et stykke tegnekul. Malerierne i de lilla, turkise, og lette lyse nuancer er skabt side om side med de næsten helt sorte malerier. Værkernes lethed og transparens balancerer i disse nye værker side om side med den alvor, der ligger i både kunstnerens personlige erindringer, såvel som i de temaer, hun inspireres af.

Kenosis (på græsk afkald) betyder at tømme sig selv menneskeligt eller gøre tom. Det klassiske eksempel er Kristus, der giver afkald på sin guddommelighed for at blive menneske.En stor investering i et ønske om forandring, en forandring der skal ses og mærkes, og være af betydning for samfundet.

I værkerne undersøger Cathrine Raben Davidsen grundlæggende bevægelsen fra ånd til materie, og hun ser kenosis-begrebet som et billede på den kunstneriske proces. Udover begrebet kenosis har Cathrine Raben Davidsen i forbindelse med udstillingen, blandt andet også været optaget af digtet Dark Night of the Soul1. Det otte strofer lange digt fra det 16. århundrede af den spanske, katolske mystiker og digter Johannes af Korset (1542-1592) belyser rejsen fra kroppen og sjælen hjem til den endelige forening med Gud. Rejsen kaldes: ”The Dark Night”, fordi mørket repræsenterer det faktum, at Gud endnu er ukendt. Digtet handler om sjælens rejse fra dens kropslige hjem til foreningen med Gud. Cathrine Raben Davidsen arbejder i sit kunstneriske projekt med sin egen form for ”Dark Night” ved hele tiden at vende sig mod ukendt land, som hun på særegen vis indkredser, analyserer og definerer gennem sin helt egen billedterminologi. I de store monumentale malerier The Dark Night (I-IV) fra 2016 oplever vi en tydelig bevægelse fra mørket mod lyset.

På udstillingen ses desuden en række værker skabt med baggrund i samtidens krigsbilleder. Værkerne er lette og transparente i deres farveholdning, men værkernes forlæg og budskaber er alt andet end lette at forholde sig til. Maleriet Believer er et portræt af en ung mandlig selvmordsbomber. Den unge mand ofrer sit liv på jorden ud fra en tro på, at hans handling sikrer ham en plads i paradiset. Med maleriet berører Cathrine Raben Davidsen nogle af de tab, som krig og terror udløser, men antyder en form for omvendt kenosis, da den unge mand vælger troen på og håbet om en plads i paradiset frem for livet på jorden. I samme serie som Believer finder vi malerierne Human Nature, The Alchemist, Completion, Ghost Mouth og The Disease3, som alle har udgangspunkt i samme konflikt. Værkerne fremstår som en slags memento mori, og maleriernes skikkelser vidner om vores samtids kompleksitet.

For Cathrine Raben Davidsen har vejen til at blive kunstner ikke været en lige og logisk vej, men den vej, som hun har fulgt, vidner om en stærk nødvendighed og en frygtløshed i forhold til at bruge sit eget ophav og sin egen identitet i sit kunstneriske univers. Vi møder den kunstneriske nødvendighed allerede i 1996 i maleriet Familie fra samme år. På det store maleri ses fire menneskeskikkelser, tre af dem står op, den sidste ligger ned i baggrunden.  Det er tydeligt, at den liggende person, faderen, er alvorlig syg, han holder sig til hjertet. Han ligger på sit sygeleje, og bag ham ses silhuetten af hans kiste. Maleriet Familie fra1996 er uroligt og faretruende, de løst opmalede skikkelser er formforvrængede og langt fra æstetisk skønne i den traditionelle forstand. Maleriet er voldsomt dramatisk, og tankerne bevæger sig i retning af et familieportræt – (en bearbejdelse af faderens alt for tidlige død i 1985). I maleriet ligger tydelige kim til de motiver, der folder sig ud i hendes efterfølgende værker. Her ses masken, kostumet, spejlingen, formforvrængende personer og de insisterende øjne. Maleriet emmer af seksualitet; det tildækkende kvindekøn og den blottede penis. Den dominerende farveholdning i hidsig turkisblå er en farve, som Cathrine Raben Davidsen har genoptaget i malerier som The Dark Night (III) og The Alchemist, som begge vises på den aktuelle udstilling Kenosis. Cathrine Raben Davidsens værk bærer præg af en tydelig kunstnerisk kamp ved at afbilde smukke og sarte konturer i et klassisk formsprog og sample disse med forvrængede former i et virvar af farver, maskeringer, slørede øjne og anormale kroppe. Dette ses tydeligt i serien af pigmenttegninger Kenosis, hvor flere af værkerne bevæger sig på kanten mellem form og abstraktion.

I slutningen af 1990’erne besøgte Cathrine Raben Davidsen Sydafrika, og under et ophold på Michaelis School of Fine Art i Cape Town arbejdede hun på en række monotypier med titlen: Target Practice. Inspirationen til serien er dels hentet i en bog om skydeøvelser, men Cathrine Raben Davidsen tog samtidig udgangspunkt i Sydafrikas daværende aktuelle politiske situation. Opholdet fandt sted under apartheidstyrets fald, hvor den domstolslignende instans, sandheds- og forsoningskommissionen (Truth and Reconciliation Commission), var blevet nedsat til at udarbejde en rapport, som skulle beskrive de overtrædelser af menneskerettighederne og andre forbrydelser, som var blevet begået under apartheidstyret. Monotypierne Target Practice er foruroligende, dystre og potente. De menneskelige skikkelser er slørede, og ansigterne er maskerede, og på en del af skikkelserne er tal hentet fra skydeskiven placeret. En kvinde har nærmest fået skudt sin mund af, og flere af ansigterne leder straks tankerne hen mod kranier. Værkerne bærer præg af den samme trykkende stemning som ses i maleriet Familie. Med Target Practice viser Cathrine Raben Davidsen allerede tidligt en stor forståelse for form, og hun understreger dybden i sine værker ved at arbejde med nogle af livets største spørgsmål som eksistens, liv, erindring og død. Igennem hendes praksis ses tydelige paralleller mellem skønhed og æstetik, hæslighed og rædsel. En parallel som også er tydelig i udstillingen Kenosis, hvor de smukke konturer bruges til at afbilde bødlens ansigt og dødens smerte.

Med Kenosis er det, som om Cathrine Raben Davidsen er vendt tilbage til en mere direkte tone i sit formsprog – en tone rundet af skelsættende, personlige erfaringer. Vi har alle en grundhistorie, som vi på en eller anden måde bliver nødt til at forholde os til, og med udstillingen forholder Cathrine Raben Davidsen sig til sin ved at vende et til tider oplevet kontroltab til en spændende kunstnerisk proces, der flytter hendes maleri til nye højder. Med værkerne konfronterer hun os med den verden, der omgiver os, på en så insisterende måde, at vi bliver nødt til at stoppe op og forholde os til, hvad vi ser og føler.